雨果

一直习惯上豆瓣看看自己看过的电影的一些详细评价，了解更多的内幕以及更多达人对于影片细节上的理解，实话实说，很多情况下，评论是中肯的，以至于今天看到《雨果》的各种低评分，甚至有那么一刹那开始怀疑自己的判断。

但当点击开那些挺苍白无力的喷段时，更多的，是无奈。

一部影片，可以有千万种叙述方式，可以有千万种情节，可以有千万种画面。

说白了，我们观影，从看的那一刻，就是选择了被动接受，你会因为这是一部真正的好片而心情舒畅，也会因为影片不对口味而来这里低分发泄吐槽。

当然，你会不会因为没参透更多影片的内涵而片面给影片做出一个负面评价呢？

相信我，你会的（没错，说的就是你，给低评的豆友们）。

---以下剧透，往下自重--现在问题来了，你是带有怎样的期待观看《雨果》的呢？

你希望看到我们小雨果克服瘸腿警察和可恶秃头玩具摊主的重重阻扰，修复机器人，瞬间小宇宙爆发征服世界？

ok，你去看变形金刚，蜘蛛侠和钢铁侠吧。

你希望看到小雨果通过自己努力终于修好了机器人，画出了一副藏宝图，然后和小女孩一同去冒险？

ok，你去看少年特工，达芬奇密码和国家宝藏吧。

你希望看到小雨果修好了机器人，得到了父亲留下的讯息，成为了一代钟表/机械大师？

或者是通过这么一个契机，征服了可恶秃头玩具摊主，成为了一代玩具制造大师？

ok，各类温情励志片对你有效。

《雨果》不同于以上各类我所吐槽的类型，虽然很多差评涉及到了以上的期待，但《雨果》所呈现的，是属于这部片子独有的东西和气质。

首先，对于画面基本是没有什么可挑的，或许你会说是假3d，但是这样一个梦幻的旧巴黎，一个复古的巨大的车站，通过片中好几个塔楼从各种角度收入眼底，这种感官总体来说，是很享受的，所以，能获oscar最佳摄影也是实至名归。

然后，我们就要来探讨情节了，很多人都说影片前三分之二完全是给最后致敬乔治梅里埃做嫁衣，其实，我们要更多的了解小雨果的这些情节都表达了什么。

第一，小雨果之所以要躲车站警察，是因为当时法国对于流浪儿童的处置方法就是关于孤儿院。

而那时候的孤儿院是一个极其可怕的地方，很多儿童被低价贩卖或者当做廉价苦力。

这些情况，在影片《香水》中也有所表现。

所以，但凡是失去了父母的儿童，都宁愿在街头流浪，小偷小摸也不愿被警察抓走。

影片中小雨果就是为了躲避进入孤儿院，修好机器人，希望获得父亲留下的讯息，无意间得到机会“修好”了乔治梅里埃，得到他的收留。

这时候很多人会怀疑了，难道说小孩是有预谋的？

当然不能说是预谋，小男孩当然不知道机器人能给他带来什么实质的东西，但是从影片很多情节中我们可以看出他是有所期待的。

首先是带着小女孩在塔楼上的自白“世界就是一个大机器，我们都是零件，我相信我的存在是有意义的”说明他想通过自己努力融入这个社会；然后展示了一个流浪小孩被车站警察抓入孤儿院的苦b镜头，使小雨果更加恐惧被人发现他没有人监护而被抓走；接着小雨果自己被警察抓住时的乞求“我不知道为什么我要孤独”，这里是表达他对于自己独单生活的无奈控诉；接着是最后一次抱着机器人去找老头被警察从铁轨上救出来“这是我最后的机会”，这个机会，就是他要通过机器人，去安抚乔治梅里埃，“修好”他并被他收容，结束自己的孤单流浪生活；而影片最后小女孩评论小雨果那一席话也是表达了小雨果这方面的意图。

第二，通过机器人寻找线索会不会太过于突兀，更像是个嘘头。

其实这是个仁者见仁的问题，但对于影片来说，从道具大师梅里埃--机器人--钟表匠--小雨果--机器人--乔治梅里埃这条线来看，机器人确实是很好的衔接品，同时，一个会写字的机器人，在现代都算神物了，在当初出现，更能满足观影者的好奇心，足够带动悬念。

第三，影片对于人物情感描述会不会太弱了。

事实上，通过短短2小时，影片要表达的情感已经很足。

首先，小雨果与父亲，从小雨果父子的机械控，到钟表维修员的叔叔带来噩耗时小雨果充满无奈却又坚强忍住眼泪的脸，到后来不顾一切坚持要修好机器人获取父亲可能留下的线索，到最后被车站警察抓住时乞求的场景，都是很打动笔者的，小雨果对于父亲的思念，更多的转移到了小机器人身上，这也是很让人动容的。

其次，与小女孩的情感交流。

影片并没有让两人相爱，小女孩更多是起到一个穿针引线的作用，如果没有小女孩，小雨果是不能通过机器人实现与乔治梅里埃的这条线索对接的，关键就在于小女孩身上的心型钥匙。

同时，小女孩给一直孤单流浪的小雨果，提供的更多是温情的陪伴，也能让我们更多的窥探小雨果的内心。

再次，乔治梅里埃夫妇的情感也是很感人的。

当然，关于乔治梅里埃与小雨果的情感转变和描述，客观上讲，有些突兀，算是影片情感部分的不完美的地方。

最后，通过小雨果的“冒险”，实现了影片描述的所有人的“happy ending”,也是在影片结尾给观影者留足了甜美念想。

事实上，小雨果对全片所有人物都实现了情感上的影响，从乔治梅里埃的重出江湖，到小女孩接触电影并爱上电影，到瘸腿车站警察慢慢变宽容并得到真爱。

情感，恰巧是本片最让人感动的地方。

说了这么多，总结几句，这部电影其实就是通过小雨果为了缅怀父亲，在躲避车站警察抓捕的悲惨生活中，试图寻找机器人隐藏的秘密，无意间得到了隐退的玩具摊主乔治梅里埃的秘密，最终被老头所收留，结束孤单流浪的日子这么一个故事，抛开致敬的东西不谈，或许你会突然发现，这其实也是一个苏乞儿一般的故事，只是，没有那么波澜壮阔罢了。

文艺复兴之后教会对于科学技术的态度逐步转为积极支持(建立大学等)、基督精神中向外诉求的特质在科学研究中充分的发挥啦出来、科学规律被解释成为上帝创世时所设定的一组规则(道)、而科学可以逐步的认识这些规律、人本主义的因素得以加强并以科学主义的形式表达啦出来、来自耶路撒冷和来自雅典的2种传统在科学技术领域融合起来(正如他们曾经在神学领域中的融合那样)导演老啦之后看问题都是非常慈悲非常抽象非常普世非常温馨的～：在电影中我们看不到马克思巴尔扎克等老师所反映的资本主义社会体制和经济制度所带来的问题、看不到速度金属所表现的技术对于人性的压力和逼迫、看不到哥德尔老师所反映的机器主义的局限性、看不到侏罗纪公园和Moon所涉及的技术伦理问题、这些东东在小娃自身强大的科学研究热情和其所栖身的人文环境面前、几乎没有什么影响力(机器人最后被修好啦、车站保安最后也被感动啦)、相反：知识、图书、勤奋、探索、复杂结构这些好的东东几乎没有什么负面的因素、小女娃热情的帮助啦小男娃、图书馆为他们提供啦科研工作所需要的资料、人类社会在不断复杂化不断自动化的同时却又始终能够维持住其基本结构的合理性、机器就算再多再复杂人也完全可以hold住场面、人类社会是在不断进步充满希望的：老杨老师和joan baez老师最后都要唱Amazing Grace的在电影中、代表19世纪科学水平的蒸汽机、齿轮、火车等东东被拍的非常和谐非常有美感：社会被看作是一个大的机器、人的任务是不断的努力去fix这部机器的问题、不断抑制整个系统的熵增、新教伦理和科学主义完美的融合在啦一起、导演所给出的唯一警示是2个梦：第1个梦好象是机器主义失控后对于人类的伤害(之后的2战等)、第2个梦好象是机器主义对于人的异化(小娃身体内的齿轮)和机器对于人的压迫(小娃被齿轮包围)导演以前拍过很多摇滚题材的纪录片、男小娃看上去很酷很中性很柔美很漂亮(有点象jimmy page和keith moon小时候)～、小娃越穿破衣烂衫就越酷、毛衣和呢子外衣都非常有质感、说话英国腔也很好听、裤子象AC/DC、眼睛象kurt cobain。。。

、比看上去象1个笨娃的哈里波特好多啦、女小娃象别人伸长筷子夹红烧大鱼结果被她用大眼睛狠狠瞪啦的叶问老师老婆～、总之这个电影确实很好看、3D和2D版本我们都看啦1边、大家赶紧看吧、哈:):)

此为群嘲帖慎入。

纵观《雨果》的各路好评，和映前宣传稿并无二异。

如果不是枪稿，只能认为是“梅粉”们看看介绍，联系到自己已知的那位导演，景仰和陶醉一番便写出来了。

好评中完全没有讨论到影片的剧情结构、角色塑造、细节营造和拍摄技术，在我的眼中，这些都烂得一塌糊涂。

之前写了一篇技术差评http://movie.douban.com/review/5231101/被各位枪手喷得体无完肤，但是没有一个人是从电影本身来反驳的，全都是“您连梅里耶导演都不知道就敢来打一星？

”那我倒想反问，如果乔治梅里耶这个人物不存在于现实中，你们还能这么自high么？

你们几乎已经承认，这片的好评完全仰赖于角色的原型；你们也就不能否认，这片作为电影是一部失败的电影。

看电影，无知不是罪，我们都是抱着求知的态度走进电影院的。

在波士顿最大的影院的最中间坐下时，我只知道《雨果》是一部评价不错的电影，我的知识可以作为一张白纸，被任意书写。

本来，这部电影可以让我了解到梅导的伟大，事实上，它也通过展示梅导的影片片断，在某种程度上做到了。

但这是影片唯一成功的部分，我宁愿全片都是梅导作品的剪辑。

《雨果》作为一部原创电影是失败的。

对主人公（我以为是雨果）的塑造、剧情的结构、次要角色的设置、视觉效果的运用都是失败的，甚至可以说是不负责的。

如果不是朋友在身边，我一定会在电影的头5分钟就离开影院了，如果是那样，我根本坚持不到本片的“知识点”出现。

各位喊着向大导演致敬给好评的，我觉得颇有点皇帝的新衣的感觉。

衣服是回忆中的梅导的各部影片，但是《雨果》作为皇帝，是裸的。

看电影，无知不是罪，相比之下，炫耀知识才显得可笑。

举个反例。

就说IMDB第一名吧。

一部《肖申克的救赎》带领观众了解了监狱中的非人性生活。

这电影并非只有囚犯才能看得懂，而是通过杜方的挣扎，让观众逐步深刻理解到他面对的困境，和他付出的勇气。

这时候，世界上到底是否存在肖申克监狱，监狱内部的实况，已经完全不重要了。

这时候如果有个囚犯出来指指点点，说，真正的监狱才不是这样的，bla bla bla...你们太无知了，一群傻逼！

我看他才是傻逼。

首先，我要声明，这是一部真正的3D电影，所谓真正，就是3D在这部电影里是有表意效果的，就是没有3D效果就体会不到这部电影的好，在电脑上看完给低分的请自重。

就像关掉彩色效果看《红》、《白》、《蓝》一样，完全地暴殄天物以及莫名其妙。

从没想过自己会眼睛湿润着看完这部电影——更不必提几次流泪，惹来旁边坐的小女孩好奇侧目。

这的确是一部致敬电影，但它所致敬的却不单是梅里爱、黑白默片或早期电影，而是电影那造梦能力与才气。

当梅里爱回顾自己电影事业的失败时，他说，战争来了，没人再需要梦。

但是，当和平又到来的时候，人们才发现当年的梦幻魅力依旧。

我从来没有想过，在一个数码替代胶片、3D技术崛起、多渠道观看的现在，在新一波“电影将死”、“电影叙事能力大倒退”的哀鸿遍野之时，会有这么一部大肆张扬电影与梦幻、电影与技术缠绵悱恻关系的片子出来。

表面上，它在讲述一个怀旧的故事，发掘电影史上被尘封的过去，但内面里却是面向将来，展示电影永不枯竭的造梦能力，并在以对历史的叙述建立自己的合法性。

这些年来看过不少3D电影，对这部貌似不会出现冒险、奇观的片子的效果本来期望并不高，但开场第一个镜头就把我震撼了，音乐响起，梦幻的巴黎，真正的3D，不知是真的还是虚拟的摄像机跟着HUGO穿行在火车站钟楼的机械中。

第一次，我注意到3D技术与叙事的完美结合。

以前电影中的3D，包括阿凡达这个技术流，都是以3D来表现奇观，以震撼观众，但雨果的3D却是它意义的来源。

喜欢那个开场从机械到巴黎的转换，尽管这也俗套了，但在银幕上表现得美轮美奂。

似乎这个镜头也暗示出电影的主题——机械与梦。

但是，在这部电影里，机械不是人的对立面，而是梦想的承担者，是对往昔的怀念与对未来的祝福。

在20世纪初，机械正是现代的标志，在未来主义者眼中，它们是力量和美的象征，而在更多“有识之士”看来，机器不过是人类精神堕落的开始，是侵吞人性的魔鬼。

那时电影中的机械，或如《摩登时代》般控制人类，或如《大都市》般象征未来。

但现在，电影中的机械，含义却已完全倒转。

《黑客帝国》中机械章鱼、人类城市，都是充满了原始的生命感，反倒Matrix众光泽的世界，是完全反人性的。

《异性》、《银翼杀手》里的未来，也是带着未曾打磨的金属的粗糙。

至于《星球大战》里混杂着古罗马、中世纪风的二手未来——或者是a long long time ago就更不必提了。

其实在《星球大战》之前，科幻片表现高科技的手段，都是清洁干净、白色闪烁着电讯号的控制面板，而从《星球大战》开始，未来就成为二手、陈旧、机械，充满工业时代的乌烟瘴气。

其实，这与现实正好是一个反转，也许是某种巧合，1977年，正当星球大战以二手未来重塑电影的视觉想象的时候，现实中AppleⅡ发布，柔美的个人电脑时代即将到来，科技，或者未来，在现实中已经不复冰冷的面孔，那些粗粝就回到电影的想象当中。

今天，手指划过种种皮肤一样细腻的触屏，粗糙的机器也就寄托了田园诗般美好的回忆。

所以，《雨果》中的机器才会显得那样温情脉脉、如梦似幻。

在豆瓣上翻了很多关于这部电影的评论，不管是赞还是贬，差不多都提到了其塑造人物和表现情感方面的不足，但是，这种论调却是建立在一种陈腐的美学观念之上，甚至正与《雨果》背道而驰。

它给我的震撼，恰恰在于它对梦想和奇观含蓄的张扬。

故事层面上，这是一个寄居于巴黎火车站的小男孩对梅里爱过去的探索。

从今天来看，梅里爱应该算是电影特效的始祖，出身于魔术师的他，全力探索电影如何制造幻觉，如何展现梦中之物。

梅里爱没有兴趣，也没有条件，也许也没有能力去探索电影怎么讲述复杂的故事，怎么塑造有深度的人物。

在这一点上，斯科西斯模仿了梅里爱的手法，简单的故事、平面化的人物，大量剧场化的镜头。

我特别感动的是在梅里爱走上舞台，讲诉自己一生的时候，在这个3D画面中，银幕剧场化了，像梅里爱真的站在面前一样。

这种感觉，是2D电影做不到的。

当然，我更爱的是电影所造出的梦幻感觉，鲜艳的色彩，舞台式的灯光，天空中永远飘荡着雪花？

绒毛？

灰尘？

马丁斯科西斯的梦包着梅里爱的梦，从一百年前，飘到现在。

也许部分原因源于我是个半路出家的伪电影学生，怀着对电影作为技术及造梦机器面向的外行式的满腔热忱，但却在自己的专业中难以找到合法性——除非从女性主义等等角度痛诉其陈腐的意识形态。

至少在中国大陆（现在我知道了HK也是一样）学院派甚至是影迷圈子里，长久以来都有对某类电影的极度推崇，以及相应而来的对另一类的压抑，我每每坐在独立电影或者“艺术电影”的放映现场或讨论会中，就陷入无法自拔的自我怀疑。

“好”，“有价值”的电影应该是这个样子，充满了介入社会、改天换地的热情，或者是艺术上洁身自好的高尚节操，而我所爱好的，不过是廉价的大众消费品，或者更难听是大资本出来骗钱的手段。

我一直觉得，一个健康的学术或者影迷空间，既能容得下热情或愤怒的电影，也能容得下那些天真的梦幻，但现实并非如此。

因此，在听到电影里的梅里爱说道，后来，战争开始，人们已经不爱这些梦幻了，也许，这些梦幻的生存状况一直窘迫。

它们被当成廉价的特效与视觉奇观，与“艺术”无关的技术，学术或者影迷在谈论它们的时候总是抱着居高临下的智商优越感。

梅里爱虽然给写入影史，但在卢米埃尔等起源之后，很快就转入了对爱森斯坦和格里菲斯的长篇大论——哦，还有德国超现实主义。

至少，我本科时候接受的电影教育，或者电影史课堂建立起来的等级关系就是这样的，我所见的翻译出版的电影史也都差不多。

一个真实的例子在于我和自己的两个同学提起要去看这部电影，因为和梅里爱有关。

意外的是，她们竟然都不知道梅里爱是谁……我怯怯地问，那卢米埃尔知道吧，当然，这个对于我们文化研究的人来说，都是如雷贯耳，但贡献不下于卢米埃尔的梅里爱，竟然在文化研究这专业里都沉默了……所以我如此地爱这部大肆宣扬梦想的电影。

它宣扬梦想，不是只去讲一个关于梦想的故事，而是身体力行地实践技术，在数码和3D时代到来的时候，回望自己的历史，不去矫情地复古，而是天真地炫耀。

对往昔的乡愁与对未来的想象，都是电影在这个世界上的存在理由。

PS：一部电影的3D好坏，我的第一判断总是来自生理反应。

目前为止，没有严重不适的四部：阿凡达、变三、龙门飞甲，以及雨果。

看完雨果，震了。

中午十一点四十五才从学校出发赶十二点二十五的雨果。

坐上汽车的一瞬就开始不爽，趁着一个老人上车赶紧让个座，顺便自己站起来吹吹风。

一路上各种不顺，各种私家车抢道，各种红灯，各种行人乱穿马路。

拼命咒骂着，到站立即飞奔，但到电影院已经十二点二十一了。

一进购票区，彻底傻眼了……放眼望去全是一拖一一拖二一拖三的家长与小朋友组成的大军，没办法，硬着头皮排吧。

一路排一路说服自己放弃，队伍缓慢的前进，时间一分一秒的流逝，我的意志力一点一点的被消磨掉，在卡口排到我的时候我已经快成功命令自己放弃掉了。

因为这时候已经十二点四十了，距离开场都十五分钟过去了。

我的心已经打定主意要离场，可我的腿却似乎另有主意。

于是，当引导员礼貌的伸手请我向前走时，我径直冲向了二号购票台。

递手机，刷二维码，选座，拿票。

不到十五秒就转身走人。

所幸，我错过的仅仅是电影的开头。

在我坐定的几分钟之后HUGO这个大LOGO才出现在大屏幕上，身旁的寥寥数人才一齐发出惊叹声：原来才开始啊。

心定，一个声音在胸中响起：值了！

我承认，电影的一开始我有点浮。

虽然早就抱定主意要看，但是已经在网上看过太多长长短短的评论。

大多数人都诟病剧情，不少人在挑剔配乐，这让这部电影还未看就已经在我心中蒙上了一层阴影。

这层阴影在电影刚开始的十数分钟不断的影响我，让我有点心神不宁。

而此时影片的慢节奏也似乎要让我昏昏欲睡了。

好在，一切开始走向正轨，我不断在内心之中要求自己：平静下来！

沉静使人善于观察，阿沙·巴特菲尔德出人意料早熟的演技则填补了这部片子起头略显缓慢的节奏带来的空白。

科洛·莫瑞兹则美的让人炫目……这种美不是你用一张静止的照片就能表现的，甚至你下载高清版的影像放映在电脑上也不行。

这种灵动与魅惑比最真实的3D还能穿透屏幕，并在你身处影院时才能最逼真的感受出来。

天鹅绒的小圆帽，针织开衫，亚麻短裙，棉绒袜和俏皮的小靴子让人爱怜不已。

尤其是那一头齐耳的短发，让莫瑞兹的青春活力瞬间绽放而出。

电影的色调是丰满和完美的，巴黎的城景是精致而梦幻的，全息影像与3D的搭配更是精美绝伦。

看过雨果才知道什么是3D，之前的各种出屏又怎么比的上这完美的景深？

你若是放开自己的想象力遨游，便会有数次坠入电影世界和如梦场景的神奇体验。

无论是塞纳河上的横桥日落还是公寓阁楼的雕塑雪景，一切都是如此的真实，真实到“比真的更像真的”。

你在现实世界中能感受到的美的极致的一刹那，在这部电影中都完美的、拉长的体现了出来。

电影的剧情无须太过曲折而使人惊心，电影的节奏也无须急速而让人气促。

雨果比爆米花、可乐、薯片、啤酒更佳，它只是清茶一杯，但醇香绵延萦绕不绝。

你感觉不到时间的流逝，也不知该度量它是快了还是慢了。

两个小时没有让人给它一个长久还是短暂的定义就这样一丝一丝的流逝了，而你所需要做的只是说服自己沉浸其中，不要过于焦躁，也不要急着拨开云山雾绕，去求得那个黑屏带给你的结局。

雨果中最出彩的莫过于当情节一步一步推展到机器人带来的秘密时，电影向电影史上诸多经典致敬时的情景。

当那本书奇异的翻转，荧幕上显现出影史上诸多里程碑式的或人或事的镜头时，影片展现出了一种史诗气质。

这种由历史感，复古主义带来的强大气场是胡编乱造，斧凿造作所无法比拟的。

在影院里我激动的盯着屏幕，感觉自己要哭出来了！

一个尘封而被人遗忘的故事就这样被展开了。

它充满着理想主义，罗曼蒂克，想象力，更重要的是带着历史赋予它的浑厚的质感。

当看着画面上那过去的电影的单调的情节，滑稽的动作，夸张的演技，简陋的“特效”，不得已而为之的演员或导演的妥协或“土法子”，我没有笑，在场的观众也都没有笑。

因为今天电影所抵达的这样的高度和它屡屡登峰造极的艺术性正是从这样微小的地方发展出来的，正是从一个又一个简单的想法生长而来的，正是由一个又一个今天看来甚至有些幼稚的技巧中积累质变而成的。

面对这些艺术家的辛勤与智慧写下的史诗，又有谁不会为之而震撼呢？

正是这样的努力让电影在一百年后发展到了今天这样的高度，而今天我们也能看到有一部如此出色的致敬电影用如此巧夺天工的技术锻造出来，专门用来向电影史上的那些光辉时刻致敬。

电影在黑白与彩色之间不断流转，有如蜻蜓点水，却又触动人心。

从细微的角度映射百年前拍摄一部电影的某种细节，或是专注于表现一个镜头的制作与某种主题的表现。

籍由马丁·斯科塞斯的功力，这种极容易落入俗套，归于沉闷的桥段变得既复古又新颖，既怀旧又出新，既欢乐又感怀，既文艺又清新。

观众像进入了一个值得被怀念的过去的影像所组成的万花筒，缤纷色彩之中走马观花了一场，带着好奇进入故事里的故事，又从愉悦的满足中抽身而出，重新走回故事主角的现在时。

”现在时“是神奇的，因为它是在电影之中表现的过去故事的一隅，当你走进影院从故事里的故事抽身而出时，如同从三层梦境里脱出一般，身心充满着不可思议。

当乔治·梅里埃在所有人的起立、鼓掌与致敬中重温旧梦，当雨果梳着整齐的发型和体面的西服把玩着魔术的把戏，当巡警装备着完美的机械腿和心爱的姑娘手拉着手，当两只杜宾犬牵起一段姻缘，当伊丽莎白微笑着转过身在这一美好的一晚中记下她注定永生难忘的感叹，你不会感觉突兀，你不会感觉虚伪，你不会感觉做作，你只会感觉自己心中荡漾着和伊丽莎白一样动人又衷心的微笑，你内心之中的那个自己也旋转着这样的一种像舞步一样的圆，仿佛一眠不觉，仿佛一梦百年。

最终，电影在一个完美的、理想主义的氛围中结束了，留给了观众无数回味的空间，还有赋予的深藏于内心之中的美好。

梅里埃对着那个他永远不会忘掉其声响的手摇式放映机所感叹的“只有电影才会拥有如此快乐的结局”在此刻也再一次得到印证。

但又有什么关系呢，当我摘下一个插翅而飞的梦想眼镜，缓步走出电影院，在一个又一个孩子们兴奋的欢笑声中返回现实世界，迎着太阳坐车返程，而太阳比任何一刻都要炫目……电影的快乐结局已经根深蒂固的埋藏在我心中，这一场梦也注定要被长久铭记。

我相信这个世界上还是有很多真心牛逼碉堡的人知道电影的历史,了解这部片子致敬的意义.但是这不妨碍我认为其中给4-5星的人里面少说有80%是装逼的傻逼青年,提到历史你就高潮了.屁颠屁颠的去百度找了点资料就开始扯七扯八.我说咱不装逼能死吗?

苏宛酒神被斩成碎片是对生命的承诺：他会由毁灭中再生与回归。

——尼采•《权力意志》印度小说《微物之神》发现，历史订立的律法规定了“谁该被爱，如何被爱，以及得到多少爱”。

敢于打破律法的人，比如这部小说中跨越种姓壁垒相爱的男女主角，比如电影《游戏规则》（1939年）中那位不知深浅卷入上流社会是非的飞行员，必然遭遇历史索债，付出沉重的代价。

现实中，这道律法是历史的暗流冲积而成的，不以人的意志为转移，换言之，是上帝制定的。

而在虚构的作品中，这位上帝就是作者。

电影的意识形态表达，依据的是爱与死的律法：谁能得到爱，谁得不到，谁可以活下去，谁必须死。

不过，在今年奥斯卡奖竞技场上《艺术家》与《雨果》的巅峰对决中，被这道律法裁决的不是人物，而是电影，是电影的昨天。

一个情书漫天飞的季节“情书”成了2012年奥斯卡季的高频词汇。

入围最佳影片的九部影片，用“致敬情书漫天飞”来概括也不为过。

厌倦了好莱坞标准生产的年轻编剧在《午夜巴黎》“穿越”到他倾慕的二十年代，与海明威和菲茨杰拉德推杯换盏一番，才明白人应当活在当下。

斯皮尔伯格的新作《战马》讲的是一战中一匹英国战马的欧陆之旅，完全摒弃了电脑特技，号称从摄影、人物设定到叙事，全线回归好莱坞黄金时代的古典风格。

传记片《我与梦露的一周》将玛丽莲•梦露远赴英国拍摄《游龙戏凤》（1957年）的一段经历，以片场打杂小人物回忆录，这种近乎野史秘闻的方式拍了出来，同时对20世纪50年代英国电影业的生态略有着墨。

将摄影机对准片场，对准影史故人的，还有在颁奖前一路领跑的《艺术家》和《雨果》。

大家都注意到，这两部影片的“身份”相映成趣：前者是法国影人用古拙的默片向好莱坞示好，后者是好莱坞影人用最先进的3d电影技术为20世纪初的法国电影先驱立传。

《雨中曲》（1952年）与《一个明星的诞生》（1954年）相加，就是《艺术家》的故事。

同样是表现影史上有声片崛起、默片衰落的风云突变，《艺术家》与处处展现声音魅力的歌舞片《雨中曲》背道而驰，用字卡、配乐和音效将抗拒有声片的大明星乔治•瓦伦丁留在了无声的世界里，直到片尾他在一部歌舞片中复出，才让观众听到了本片的第一句，也是最后一句台词：“我很乐意”。

默片的形式恰好与主人公的精神世界相契合，他自己有意愿进入有声时代，这部以默片视角自居的影片也开始“说话”了。

《雨果》的主线故事设定在1931年，但影片怀恋的也是默片，其中大部分还是一战前的早期电影。

有一天，我在地铁上听到两个人为《雨果》争论，一方说听说这是一部儿童奇幻历险片，另一方说，应该是表现法国电影导演梅里埃的传记片。

其实这两人都没说错。

寄身于巴黎火车站钟楼里的孤儿雨果，想方设法修好了父亲留下的自动机器人，而机器人画出的图画实际上是一部老片的绘图手稿，以此为线索，他与新结识的小姑娘伊莎贝拉一起揭开了伊莎贝拉教父乔治的身世——他就是被世人遗忘而大隐隐于市的电影大师乔治•梅里埃。

两个小伙伴的探险没有任何超越现实的地方，他们的奇幻旅程就是一次影史温故。

似是故人来《艺术家》开场银幕上放的戏中戏，人物造型应该是在模仿路易斯•菲拉德的《方托马斯》系列；瓦伦丁在家重温的旧作，典出道格拉斯•范朋克1920年版的《佐罗的标记》；片尾歌舞片的双人踢踏舞，能看到歌舞片《礼帽》（1934年）男女主角的影子。

在戏中戏重现默片经典之外，《艺术家》的主线叙事涉及的老片有十几部之多，这串长长的名单依稀可见《瘦子》（1934年）、《失去的周末》（1945年）、《魔鬼玩偶》（1936年）和同为默片的《贼》（1952年）等等。

包括上一节提到的两部在内，绝大多数都出自有声片时代，如此看来借鉴《最卑贱的人》（1924年）的叠画镜头倒是个例外了。

这堆典故中最抢眼的，出自《公民凯恩》（1941年）和《迷魂记》（1958年）。

奥逊•威尔斯青史留名的餐桌戏只用了几个镜头，就将凯恩夫妻在几年间从甜蜜到陌路的过程跳跃性地点了出来。

《艺术家》表现瓦伦丁的婚姻，几乎照搬了这一段镜头语言。

而《迷魂记》提供了影片高潮部分自杀戏的配乐。

这些横跨好莱坞几个时代、“捡到篮子里都是菜”的典故，让这封“写给默片的情书”变得有些字迹模糊。

而这封情书明面上最大的疑点还不是乱用典，而是选角。

虽说用人不避亲，但女主角一张瘦削的拉丁面孔，不仅不符合时人的审美习惯，在那个种族主义的藩篱仍然难以跨越的年代，即使成角儿，也只能局限于展现异国情调的刻板形象（stereotype）。

对默片稍有涉猎的观众，难免看到她就出戏。

在这一点上，《与梦露的一周》犯了更严重的错误，妮可•基德曼与伍尔芙只是神韵相仿，其演绎也能受到肯定，但伍尔芙是作家，迷人的是思想，梦露是银幕女神（icon），外形是安身立命之本，米歇尔•威廉姆斯一向善演苦大仇深的良家妇女，从容貌到气质都与梦露相去甚远，演技再精湛也回天乏力。

《雨果》同样富于戏中戏，主线叙事的老片典故也比比皆是。

不同的是，它回到过去搭乘的“时光机”不是过去的电影载体，而是最新的3D摄影技术，让观众仿佛置身于百年前梅里埃的摄影棚，亲眼目睹《婆罗门与蝴蝶》（1901年）、《月球旅行记》（1902年）和《仙女国》（1903年）的摄制。

《阿凡达》的导演詹姆斯•卡梅隆看后说：“这是我看过对3D运用最好的电影，包括我自己的作品在内。

”据说这不是一句恭维。

贯穿始终的两部老片，是卢米埃尔兄弟的代表作《火车进站》（1896年）和哈罗德•劳埃德主演的《最后安全》（1923年）。

前者不仅出现在两个孩子阅读的影史书上，后者也不仅是他们一起看过的一部电影。

海报上雨果如劳埃德一般挂在大钟表针上的场景，不是简单的“掉书袋”。

火车站的钟楼就是雨果的家。

凝视火车、钟楼与最后一个镜头中注视我们的机器人，才发现同样是电影工业的自我审视，《雨果》与《艺术家》几乎行驶在完全相反的轨道上。

奥斯卡叔叔不是今天才怀乡恋旧瓦伦丁压上全部身家推出的默片巨制，成了他的最后一搏，此时，瓦伦丁提携过的年轻女孩佩皮•米勒已经从片场龙套一跃成为有声片的新宠，两人的新片档期冲撞，瓦伦丁溃不成军，从此过上了《日落大道》（1950年）那样阴郁的隐居生活。

这个“前浪死在沙滩上”的故事，脱胎于《一个明星的诞生》，后者前后拍了三次，每次都是奥斯卡奖的座上宾，奥斯卡叔叔不是今天才怀乡恋旧的，不过在当下3D技术革命和世界经济危局的背景下，尤其容易顾影自怜罢了。

影人外表光鲜、收入丰厚，但本质上不是一个旱涝保收的行当，今天是一线，也难保日后不会坐冷板凳，电影是艺术，更是工业，每次技术大换血带来的行业洗牌更是血雨腥风。

这也是为什么好莱坞拍出来的商业片是保守的，但从业者以左派居多。

《艺术家》的大团圆结局，用《雨果》的一句台词才能解释：“只有在电影里才有快乐的结局”。

《艺术家》这封“情书”最可疑的，还不是选角，而是作者用爱与死的律法否定了默片——影片口口声声的致敬对象和最大卖点。

有声片的诞生敲响了默片的丧钟，这是历史。

但《艺术家》不仅将默片一举扫入废胶片堆里，甚至没有像《雨中曲》那样泼辣地点出默片的缺点、鲜明地为有声片鼓与呼，而是将这段公案视为一种不需要再讨论的“常识”。

默片作为电影的过去，在这里甚至没有资格坐上“谁该被爱，如何被爱”的审判席。

在《艺术家》的意识形态脉络里，卢米埃尔兄弟的火车在1896年的银幕上开过去了，就一去不返，成了历史的旧物，今人重新观看，只能像对《艺术家》里的明星小狗一样，拍拍它的头，称赞一声“挺可爱”。

而《雨果》想告诉我们的是，“萧达车站的那列火车仍旧不断地抵达，一个世纪之后……观众的恐惧体验依然存在，这就说明在电影中有什么是虽然过去了但依旧存在”。

那列火车冲进了雨果的梦中，同时借助3D技术带来的视觉革命，再次冲向一个多世纪后的观众。

梅里埃最初是个舞台魔术师，他的电影喜欢怪力乱神，这也是对电影本质的一个隐喻：电影总能给人类带来新的惊奇体验，电影这种艺术载体之于观众，本身就是一场奇幻之旅。

而那个自动机器人开始动笔写字带给两个小孩的惊奇，有如萧达车站的那列火车带给第一批电影观众的体验。

电影会蜕变，但不会死亡，它的本真借科学与进步之力永恒轮回。

————补：上周北京国际电影节在西单二刷了，票在一小时内卖光，五月底上映可以三刷。

reference：1.看马丁·斯科塞斯《雨果》之前必须了解的十部经典电影http://www.douban.com/note/186261832/2.奥斯卡2012：这次只关心电影自己http://www.douban.com/note/198693502/3.Wikipedia词条：Latinos in film、Hugo（film）4.[整理]《艺术家》中的致敬老片全解读http://www.douban.com/note/202299569/5.過去∕未過去：兩部電影的一個故事http://www.douban.com/note/203008673/

Machines never come with any extra parts，you know，they always come with the exact amount they need.So I figured if the entire world was one big machine,I couldn't be an extra part,I had to be here for some reason.机器不会有多余零件，它们总是需要多少就有多少。

所以我觉得，如果世界是个大机器，我不可能是多余的。

——《雨果》

由获奖儿童插画小说改编。

年近古稀的Martin Scorsese第一次拍3D片，获得了自己的第三座金球奖。

在儿童探险故事的外衣下，实为向电影先驱们致敬。

Georges Méliès，一个传奇的名字。

他当过魔术师，做过玩具匠，造过机器人，而最让世人记住的，是他在十九世纪末二十世纪初的电影起源时期拍了五百余部电影短片。

虽然现在仅存不到一半，但仍不乏经典，当年更是轰动一时。

他是名副其实的特效先驱和科幻大师，代表作《月球旅行记》讲述6个科学家登上月球大战土著的故事，被认为是科幻电影及停格动画的鼻祖。

不过，观众口味的改变及一战的爆发使得他那凡尔纳或西游记风格的电影逐渐失宠。

1913年，他一手创办的Star Film公司破产；十年后，他苦心经营的剧院被拆。

他一怒之下烧毁了自己的很多底片和道具，退隐江湖，在巴黎蒙帕纳斯车站（Montparnasse）里开了家玩具糖果铺。

晚年时，他才又被电影界重新记起，给他开了表彰大会，并由卢米埃兄弟亲自给他颁发了荣誉勋章。

他在生命的最后几年里一直致力于鼓励和帮助年轻的电影人，虽然生活依然贫困，也未能再拍电影。

他临终前对朋友说：“laugh for me, because I dream your dreams.”片中的Méliès基本符合以上史实，而作为片名的小男孩Hugo则是虚构的，有着《巴黎圣母院》和《雾都孤儿》的影子。

以一个神秘的机器人来引出玩具店老头背后的秘密，本是个不错的构思。

但问题是主线过于单薄，支线又嫌太散；人物性格过于简单，感情流于肤浅。

中间制造的一惊一乍感觉完全没有必要，突然蹦出的升华台词只能说雷人（比如“天生我材必有用”之类），巡警的爱情和两小孩的互动简直味同嚼蜡。

总之，苍白的剧情稀释了讨巧的主题，使本片看起来正像那个运转良好但缺少灵魂的机器人。

当然片中也不乏亮点，比如Hugo的双重梦境：第一层梦中的火车既致敬了卢米埃兄弟的《火车进站》，也重现了1895年蒙帕纳斯车站的火车出轨事件；第二层的变身则有些后现代的味道。

本片在第84届奥斯卡上获得了包括最佳电影和最佳导演的11项提名，为当届最多，但最终拿到的5个奖项全为技术奖。

影评界的赞誉未能换来票房的丰收，再加上1亿5千万的高额成本，导致到现在上映三个月了仍入不敷出。

这部电影在新加坡上映的比其他国家晚了三个月，所以昨天才去影院欣赏了它的3D版。

必须承认我被其精致的画面和色彩吸引了，无论开场如齿轮般的城市环岛，还是一上来那个在火车站内穿行的长镜头，都透着一种像孩子眼中玩具一样的美。

略微不适应的是穿行镜头前进速度快了点，恍惚中有种坐过山车的感觉。

情节的确是略显沉闷的，我觉得主要是因为不同于大家所习惯的“大片”套路，前面伏笔无数加上点笑料，后面大场面跌宕起伏出人意表。

这里更像一个安静而繁华的梦境，前面的铺垫在于帮你感受这个属于电影的世界，后面再把电影史的故事娓娓道来。

当女孩儿说“I love secret”的时候，梅里埃的夫人说“It is not the sadness child should take”，Hugo说“You should understand”的时候，我觉得这里的演技都足够足够好了。

另外想单独提一下的，其一是通往梅里埃(那个玩具店的老头)家里路上的那8个阴森森的雕像，前后出现大概三次，第一次看到时候色彩渲染的宛若目地的幽灵。

总以为后面会交代一句，比如是以前的电影道具什么的，然而却没有出现。

倒是小雨果自己的梦里好好的惊悚了一把，火车冲出站台的场景在预告片里看过后一直以为会出现在最终的追逐中，却没想到是在梦中梦里，而第二个梦，当小男孩看到自己变成齿轮和法条的胸膛，配合上当时的音乐，我俨然觉得自己穿越到了咒怨的世界，真不敢相信这还是“儿童片”的范畴。

其二是预告片里的蒙太奇运用真是各种误导，虽然似乎这种手法在各种预告片里屡见不鲜，还是让我有一种“错过了什么情节和画面”的感觉。

比如只看预告片，火车站管理员肯定是要撞进蛋糕里的，而小男孩是在慌乱逃窜中撞上的梅里埃的养女，而实际上都不是。